Тейд, галерея (Tate Gallery), Лондон — национальная коллекция британского и современного искусства, существующая примерно с 1870 г. Названа в честь Генри Тейда (1819-1899 гг), миллионера, изобретателя пиленого сахара.
   В 1899 г. Тейт решил передать государству свою коллекцию, состоящую в основном из произведений викторианских художников, при условии, что правительство найдет для галереи подходящее помещение. После урегулирования разнообразных проблем галерея открылась в 1897 г. в районе Милбанк, в ничем не примечательном здании, спроектированном Синди Р.Дж. Смитом в стиле необарокко. Первоначально это была не независимая галерея британского искусства, как того желал Тейт, а отделение Британского музея, в котором помещались лишь произведения современного
искусства.
Галерея тейт в лондоне

Галерея тейт в лондоне


Галерея тейт в лондоне
     В качестве музея истории британского искусства Галерея Тейт ведет свое начало с 1910 г., когда ей была передана коллекция работ Альфреда Стивенса (1817-1875). Тогда же к зданию было пристроено крыло для размещения картин, оставшихся в мастерской Тернера (1775-1851) после его смерти и до этого находившихся в Национальной галерее.
   В 1916 г. на галерею была возложена дополнительная задача формирования национальной коллекции современного искусства. Полностью неависимой галерея стала в 1954 г. К зданию было пристроено еще несколько помещений.
   В 1987 г. открылась новая галерея — Галерея Клора (названная в честь Чарлза Клора 1904-1979 гг., бизнесмена и филантропа, одного из самых щедрых пожертвователь), где была размещена живопись Тернера, коллекция его акварелей и рисунков из Британксого музея.
Галерея тейт в лондоне
Галерея тейт в лондоне

    В 1988 г. отделение галереи открылось в Ливерпуле.
Галерея тейт в лондоне

   В 1993 В Сент-Айвзе
Галерея тейт в лондоне

   В 1994 г. Опекунский совет галереи объявил о решении создать новый музей — галерею Тейт современного искусства — в помещении бывшей электростанции  "Банксайд", огромном величественному  здании, построенном по проекту Джайлза Гилбетра Скотта и удачно расположенном на южном берегу Темзы, напротив собора Св.Павла.


Галерея тейт в лондоне

   В 2000 г. новая галерея открыла сови двери широкой публике, а Галерея Тейт в Милбанке стала функционировать исключительно как музей британского искусства.

http://www.tate.org.uk/

Источник: solonata.livejournal.com

1-Здание музея.jpg

Здание музея


Дорогой читатель, ты, вероятно, даже не подозреваешь, что, выпивая чашку чая или кофе с кусочком сахара, прикасаешься к… истории создания галереи Тейт! Ты спросишь, каким образом? А вот каким! Галерея названа в честь Генри Тейта (1819–1899), ее основателя. Это у нас не принято спрашивать (кроме «компетентных органов»), откуда у того или иного олигарха образовался огромный капитал и, в первую очередь, тот самый загадочный «первоначальный». В Европе возможен такой вопрос, а главное, и ответ на него. Генри Тейт, сын священника, в 1860-е занялся сахарным бизнесом и основал очень прибыльное производство по нарезке сахара в кубики и его упаковке. Предприниматель стал богат и занялся меценатством: вкладывал средства в больницы, библиотеки, колледжи и наконец основал художественную галерею.


2-Интерьер музея.jpg

Интерьер музея

3-В зале музея.jpg

В зале музея


Тейт приобретал картины, главным образом, на ежегодных выставках Королевской академии искусств. Его интересовали произведения современных художников, со многими из них промышленник был лично знаком и поддерживал их материально. Он не только собрал большую коллекцию картин английских мастеров, но и выстроил на свои средства здание для нее. Можно сказать, что Тейт для британского искусства был тем, кем Третьяков являлся для русского.

Галерея Тейт — государственный национальный музей в Лондоне. Это самое крупное в мире собрание английской живописи, состоящее из трех больших разделов: английское искусство с 1550 до наших дней; коллекция работ Уильяма Тернера; искусство XX века. Общий художественный фонд музея оказался распределен между несколькими «дочерними» галереями: Тейт Бритен, галерея Клор и Тейт Модерн.



Галерея Тейт Бритен


Собрание галереи Тейт не могло ограничиваться творениями лишь тех художников, которых предпочитал сам предприниматель. Со временем коллекция пополнилась картинами старых английских мастеров.

В национальной живописи XVI–XVII веков доминирует парадный портрет. Самая ранняя работа этого жанра — «Человек в черной шляпе» Джона Беттса (1545), хранящаяся в музее, — несет на себе отпечаток влияния Ганса Гольбейна Младшего и вместе с тем дает представление об английском искусстве эпохи Возрождения.

К следующему, XVIII, столетию относятся произведения великих мастеров — Уильяма Хогарта, Джошуа Рейнолдса, Томаса Гейнсборо, Джорджа Стаббса.

Искусство XIX века представлено в Галерее еще полнее. Помимо произведений прерафаэлитов и Уильяма Тернера, о котором речь пойдет ниже, здесь хранятся работы Уильяма Блейка, Джона Констебля. Достойны внимания пейзажи и других авторов.

Годы и десятилетия внесли изменения в распределение живописных сокровищ между британскими музеями. Ряд картин импрессионистов, которые поначалу находились в галерее Тейт, были переданы в Национальную галерею Лондона. Тем не менее в музее осталось весьма внушительное собрание полотен мастеров этого направления, а также творения практически всех, кто стоял у истоков современного искусства: Пьера Огюста Ренуара, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея, Эдгара Дега, Анри де Тулуз-Лотрека и других.



4-Галерея Тейт Модерн.jpg

Галерея Тейт Модерн

Галерея Клор


В галерее Клор выставлена наиболее полная коллекция произведений одного из самых талантливых и известных британских художников — Уильяма Тернера, завещанных им государству. Наследие было передано в 1856, через пять лет после его смерти: около 300 картин и 30 000 рисунков и набросков, а также записные книжки Тернера и произведения, считающиеся незаконченными, некоторое количество работ других авторов. Девять картин этого собрания оказались в Национальной галерее Лондона, они демонстрируют наследие великого английского мастера в контексте мирового искусства. Та же часть, которая составила сокровищницу галереи Тейт, в настоящее время выставлена в специально созданной для нее галерее Клор, открытой в 1987.


Тейт Модерн


Галерея Тейт Модерн в составе галереи Тейт является крупнейшим национальным собранием мирового современного искусства, в том числе и английского. Она создана в 2000, ее открытие было приурочено к празднованию наступления третьего тысячелетия. Для музея реконструировали монументальное здание бывшей электростанции в центре Лондона, на противоположном от собора Святого Павла берегу Темзы. Сохранив внешний облик, архитекторы полностью изменили постройку внутри и добавили крышу из стекла и стали.


Экспозиция размещена в четырех крыльях здания. Три предназначены для основных направлений искусства XX века: сюрреализма, минимализма, абстракционизма, а четвертое — для тесно связанных друг с другом кубизма и футуризма. Вокруг названных главных течений группируются произведения множества близких.

В галерее представлены значительные работы Пабло Пикассо и Анри Матисса. Здесь собрана одна из лучших в мире коллекций сюрреализма, в том числе полотна Сальвадора Дали, Макса Эрнста, Рене Магритта и Хуана Миро, произведения американского абстракционизма, поп-арта.

Галерея Тейт — это не только музейное собрание, но и средоточие культурной жизни. Здесь можно удовлетворить все свои художественные интересы. Богатая и хорошо организованная инфраструктура Галереи предоставляет посетителю массу возможностей для изучения искусства на разных уровнях знания и вовлеченности в него. Также это замечательное место отдыха, где приятно посидеть в кафе после прогулки по выставочным залам, послушать концерт из произведений композиторов разных эпох или выбрать развлечение на свой вкус и возраст.


Искусство XVII–XVIII веков

5-Иоганн Дзоффани Миссис Вудхалл Около 1770.jpg

Иоганн Дзоффани. Миссис Вудхалл. Около 1770


6-Британская школа Дамы семейства из Холмондейли 1600–1610.jpg

Британская школа. Дамы семейства из Холмондейли. 1600–1610


Эта картина неизвестного английского мастера XVII века необычайно интересна по своей идее и в подлинном смысле уникальна. Уже хотя бы потому, что иллюстрирует совершенно фантастический случай, о котором повествует надпись внизу слева: «Две дамы из семейства в Холмондейли, родившиеся в один день, вышедшие замуж в один день и родившие в один день».

Представляя себе менталитет средневекового англичанина, можно быть уверенным в том, что хотя это совпадение и кажется неправдоподобным, но оно имело место, а не было плодом фантазии художника. Им, по-видимому, до известной степени является художественное воплощение образов дам, чьи имена доподлинно неизвестны. Это, можно сказать, парадный портрет сестер с их детьми. Как роженицы, они показаны в постели, крохи завернуты в алые ткани. Художник жил в графстве Чешир, неподалеку от которого — названное поместье. Героини могли быть обитательницами Холмодельского замка, существующего и сегодня.

На первый взгляд кажется, что женщины в одинаковых платьях, они очень похожи, как и их младенцы. Но здесь как раз и проявилось изумительное мастерство художника. Буквально во все одинаковые по значению детали этого двойного (даже, можно сказать, четверного) портрета он внес тончайшее разнообразие. Стоит сравнить кружева платьев, ожерелья и прочее. Причем сложной задачей было не допустить у зрителя (при явной одинаковости статуса сестер) впечатления большей или меньшей привлекательности той или иной. Вероятно, сейчас тоже никто не сможет доказать, что какая-то из двух красивее.


В эстетическом плане картина чрезвычайно интересна: она демонстрирует поразительное разнообразие внутри некоего единства. Полной аналогией этому явлению в английской живописи является первое опубликованное собрание национальной вёрджинельной музыки — «Парфения», изданное в то же самое время, в 1611. И здесь, и там в основе художественного метода лежит принцип варьирования. Легко представить себе продолжение примера этого разнообразия, заключенного в идентичности: две дамы, сев за два столь же похожих инструмента, сыграют пьесу Джайлиса Фарнеби «Для двух вёрджинелов», в которой обе партии равнозначны…


7-Уильям Хогарт (1697–1764) Художник и его мопс 1745.jpg

Уильям Хогарт (1697–1764). Художник и его мопс. 1745


Уильям Хогарт — великий английский художник, гравер, теоретик искусства.

«Официальное» название работы не совсем точно, правильное — «Автопортрет художника с его мопсом».


а картина в картине продолжает барочную традицию подобных автопортретов. На переднем плане — предметы, идентифицирующие модель как художника (палитра) и литературно образованного человека (книги, на корешках которых указано «Шекспир», «Свифт», «Мильтон»). И это действительно так, позднее, в 1753, будет издан собственный трактат Хогарта «Анализ красоты», но его идеи нашли отражение уже в данном автопортрете. Присмотримся к палитре: на ней изображена кривая линия и дано пояснение: «Линия красоты и изящества». Эта идея станет основной в трактате: «линия красоты» согласно учению Хогарта — S-образная линия, являющаяся границей двух пространств, наиболее гармонично сочетающихся друг с другом. Большое мастерство требуется, чтобы прочертить ее совершеннейшим образом. Проведя ее, Хогарт уподобил себя древнегреческому художнику Апеллесу — олицетворению совершенства в искусстве живописи, проводившему столь тонкую и совершенную линию, что никто не мог ее повторить. Но если у Апеллеса, согласно преданию, это была прямая линия, то Хогарт за эталон взял изогнутую. В предисловии к трактату художник признавался, что «ни один египетский иероглиф не занимал умы в течение столь долгого времени», как эта линия. «Художники и скульпторы являлись ко мне, чтобы узнать значение этих слов, были озадачены ими не менее, чем все прочие, до тех пор, пока не получали разъяснение».

Вторым важным персонажем картины является любимая собака автора — мопс Трамп. Если внимательно присмотреться к обоим изображенным, то, как это часто бывает, можно найти некое сходство в их обликах. В таком случае пес служит воплощением драчливого характера хозяина.



8-Уильям Хогарт (1697–1764) Шесть голов слуг Хогарта 1750–1755.jpg

Уильям Хогарт (1697–1764). Шесть голов слуг Хогарта. 1750–1755

Уильям Хогарт отрицательно относился к шаблонным светским парадным портретам, какие во множестве создавали его современники. Обычно он писал своих родственников и близких людей. Групповой портрет слуг — одна из таких работ. Он примечателен не только с эстетической точки зрения как произведение великого мастера, но и с социальной — передает человеческое достоинство людей, занимающих невысокие ступени в общественной иерархии, но при этом обладающих несомненным душевным благородством.

Этот необычный групповой портрет первоначально висел в мастерской Хогарта. Его могли видеть покровители и заказчики художника. Работа служила доказательством непревзойденного мастерства автора в передаче индивидуальных черт модели. Она не была заказной, живописец создал ее для собственного удовольствия, а быть может, и своих слуг.

Картина состоит из нескольких не связанных между собой голов. Художник добился единства композиции с помощью их симметричного расположения и однородного освещения источником, находящимся за пределом картины, в верхнем левом углу. Уникальным оказался замысел Хогарта написать портреты слуг вне их повседневной работы. Однозначно читается отношение самого мастера к ним — полное расположение. Она побуждает зрителя представлять себе спокойную, налаженную, умеренную жизнь художника в своем ухоженном доме.

Исследование произведения установило, что первоначально его размер был больше и автор намеревался поместить семь голов. Но последняя не была проработана столь же тщательно, как остальные, и тогда у художника возникла мысль обрезать край для того, чтобы шесть законченных голов композиционно смотрелись более цельно.


9-Джордж Стаббс (1724–1806) Кобылы и жеребята на фоне пейзажа с рекой Около 1763–1768.jpg

Джордж Стаббс (1724–1806). Кобылы и жеребята на фоне пейзажа с рекой. Около 1763–1768


Джордж Стаббс знаменит, прежде всего, тем, что был одним из первых выдающихся английских живописцев, посвятивших свое творчество лошадям. В 1760-е Стаббс два года занимался анатомическими штудиями этих животных. Его многочисленные зарисовки были изданы в 1766 отдельной книгой, которая называлась «Анатомия лошадей». Художник необычайно долго работал над каждым своим полотном, что было следствием его чрезвычайной скрупулезности и полной поглощенности работой. Такой большой научный интерес мог в некотором смысле даже стать помехой в воплощении чисто художественных задач, но в случае со Стаббсом этого не произошло. Все его изображения лошадей необычайно живые, красивые, энергичные.

Картина доставляет зрителю истинное наслаждение композицией, рисунком и красочной палитрой. Далекий и широкий горизонт, большие пространства земли и воды, высокое место, где пасутся лошади, отсутствие каких бы то ни было преград для них — все это создает настроение и ощущение покоя и воли, столь желанных в общении с этими животными и столь редких во взаимоотношениях людей.


10-Джошуа Рейнолдс (1723–1792) Полковник Акланд и лорд Сидней Лучники 1769.jpg

Джошуа Рейнолдс (1723–1792). Полковник Акланд и лорд Сидней. Лучники. 1769


Английский живописец Джошуа Рейнолдс был первым президентом Королевской академии художеств.

Картина представляет собой портрет двух английских аристократов — полковника Акланда (справа) и лорда Сиднея, ирландского политика и дипломата. Здесь они еще молодые, позже полковник примет участие в войне Соединенных Штатов Америки за независимость (на стороне Британской короны), будет ранен в ноги (?777), переживет плен и вернется на родину, где его изберут членом парламента. Но пока он не проявил себя героем, и Рейнолдс изображает его как обычного аристократа, увлеченного вместе с лордом Сиднеем охотой — всегда считавшимся великосветским развлечением. Они уже преуспели: у ног лежат трофеи.

Рейнолдс представил сцену необычайно живо. Замечательно переданы азарт охотников, их напряженность. Кстати, в немалой степени последняя выражена упруго натянутыми тетивами луков стрелков. Лук ко времени, когда создавалась картина, уже был оружием прошлых времен, охота велась из ружей. Рейнолдс идеализировал момент и перенес время действия в романтически представленную эпоху Возрождения. На это намекает и то, что в фигуре Акланда явно угадывается намек на другого охотника, вернее, охотницу — Диану — персонажа ренессансной картины Тициана «Смерть Актеона» (1562. Национальная галерея, Лондон).


11-Джошуа Рейнолдс (1723–1792) Леди Бамфилд 1776–1777.jpg

Джошуа Рейнолдс (1723–1792). Леди Бамфилд. 1776–1777


Этот портрет был заказан мастеру Чарлзом Уорвиком Бамфилдом по случаю его бракосочетания с Екатериной Мур, леди Бамфилд. Образ очаровательной молодой женщины является остроумной адаптацией классической статуи Венеры Медицейской (из собрания Медичи), всегда считавшейся воплощением женской красоты. Обращение к эстетическим идеалам античности у Рейнолдса было вполне органичным: в свое время, в 1749, он отправился в Европу, жил в Италии, посещал Флоренцию, где в галерее Уффици увидел мраморную копию с утерянной античной скульптуры богини. В зрелой по мастерству работе очень полно проявился талант великого портретиста. Пленительный образ модели дан, как обычно у Рейнолдса, на фоне природы.

Примечательно, что одновременно с созданием этого портрета другой художник, Иоганн Цоффани, писал ставшую знаменитой картину «Трибуна галереи Уффици», изобразив на ней художественные сокровища Галереи и эту статую. Произведение было известно в Англии, поскольку хранилось в Виндзоре, в королевском замке.


12-Генри Роберт Морланд (1716–1797) Горничная за глажкой белья 1765–1782.jpg

Генри Роберт Морланд (1716–1797). Горничная за глажкой белья. 1765–1782


Всю свою жизнь Генри Морланд писал идеализированные образы слуг, горничных, бардов. Все эти полотна, и данное, исполнены в стиле, если так можно выразиться, «воображаемых картин(ок)» — очень милый, трогательный жанр живописи эпохи сентиментализма. Все в таких работах очаровательно, уютно, благополучно, спокойно, греет душу. На такого рода произведения всегда был и, очевидно, будет спрос в определенных кругах общества. Ряд мастеров, и Морланд среди них, сделал этот стиль знаменем своего творчества. Как в каждом художественном течении, здесь есть свои корифеи. Признанный шедевр — дрезденская «Шоколадница» Ж. Э. Лиотара. У такой живописи есть аналогии в музыке (Карл Филипп Эммануил Бах — один из старших сыновей И. С. Баха), литературе (ранний И. В. Гете), архитектуре (городские «односемейные» дома во всей Европе). Спрос на подобные картины был столь велик, что один и тот же сюжет тиражировался живописцами по многу раз. Данный образ молодой горничной, занятой глажкой, существует, кажется, в пяти вариантах, написанных за указанный в дате создания работы период времени.


13-Джон Синглтон Копли (1738–1815) Смерть майора Пирсона 6 января 1781 1783.jpg

Джон Синглтон Копли (1738–1815). Смерть майора Пирсона 6 января 1781. 1783


Джон Синглтон Копли, американский и английский художник, представитель классицизма, портретной и исторической живописи, родился в Бостоне. Его отчим был мастером кисти и в дальнейшем помогал пасынку. В 1774, в преддверии войны за независимость США, Копли покинул Америку и осел в Лондоне. Здесь он обратился к историческому жанру. Мастер был членом Королевской академии художеств.

Картина известна также под вторым названием — «Штурм Джерси». Для понимания батальной живописи необходимо знать политический и военный расклад сил, кто и с кем воевал. Штурм Джерси был попыткой Франции вторгнуться на остров и устранить угрозу, которую он представлял для американского судоходства во время войны за независимость. Джерси использовался британцами в качестве военной базы, и Франция, извечный враг Англии, вступив в войну как союзник США, хотела заполучить контроль над ним.

Французы высадились в Джерси 5 января 1781. Губернатор сдал остров после падения его столицы, Сент-Хельер, но двадцатичетырехлетний майор Френсис Пирсон, начальник гарнизона, отверг капитуляцию и возглавил успешную контратаку. В действительности майора убили незадолго до боя, но Копли изображает его умирающим под британским флагом в момент победы. Чернокожий слуга Пирсона стреляет, мстя за гибель своего хозяина.

Френсис Пирсон стал национальным героем Великобритании, картина привлекла толпы зрителей, когда была впервые выставлена. Она воспроизведена на банкноте в десять джерсийских фунтов.


14-Генри Фюсли (1741–1825) Сон пастуха из «Потерянного рая» 1793.jpg

Генри Фюсли (1741–1825). Сон пастуха из «Потерянного рая». 1793


Генри Фюсли — швейцарский и английский художник, график, историк и теоретик искусства. Он служил пастором, затем учился живописи в Берлине, с 1764 работал в Англии, дружил с Уильямом Блейком. Творчество мастера — один из ранних образцов романтизма в Англии.

Поэмы Джона Мильтона «Потерянный рай» и «Обретенный рай» привлекли внимание Фюсли еще в молодости, когда он жил в Швейцарии. Многие художники-романтики обращались к ним, желая проиллюстрировать отдельные эпизоды. Данная картина изображает строки из 1-й книги поэмы, в которых повествуется о сказочных эльфах:

Малютки-эльфы, что в полночный час
На берегах ручьев и на лесных
Опушках пляшут; поздний пешеход
Их видит въявь, а может быть, в бреду,
Когда над ним царит Луна, к земле
Снижая бледный лёт, — они ж, резвясь,
Кружатся (…)
Вместо того чтобы изображать эльфов танцующими, как это обычно делалось, автор представляет их взявшимися за руки и кружащимися над спящим пастухом, которому это видится в его фантазиях. Фюсли мобилизует все свое воображение, чтобы создать сверхъестественных существ, населяющих картину. Их любопытно разглядывать.

Произведение было написано для создававшейся художником большой галереи образов поэмы Мильтона.


15-Филипп Джеймс де Лотербург (1740–1812) Видение белой лошади 1798.jpg

Филипп Джеймс де Лотербург (1740–1812). Видение белой лошади. 1798


Филипп Джеймс де Лотербург (известен под именем Филипп-Жак, а также Филипп Якоб Младший) — английский художник французского происхождения. Он учился в Страсбурге, родители готовили его стать лютеранским священником, но юноша настоял на том, чтобы быть художником, с этой целью отправился в Париж и там в скором времени прославился. В 1771 мастер переехал в Лондон и принял приглашение актера Дэвида Гарика работать сценографом для старейшего лондонского театра Друри-Лейн. На этом поприще у него были выдающиеся достижения.

Последние десятилетия XVIII века (эпоха Великой французской революции, последующих войн и предощущения приближающегося сравнительно скоро нового тысячелетия) дали толчок к очередной интерпретации апокалипсической темы. Художники стали разрабатывать сюжеты гибели мира, Страшного суда, конца человечества. Картина Лотербурга демонстрирует первых двух из четырех всадников Апокалипсиса — «Завоевателя» («Я взглянул, и вот конь белый и на нем всадник, имеющий лук, и дан был ему венец; и вышел он как победоносный, и чтобы победить». — Откр., 6:2) и «Войну» («И вышел другой конь, рыжий; и сидящему на нем дано взять мир с земли, и чтобы убивали друг друга; и дан ему большой меч». — Откр., 6:4). В трактовке этого сюжета автор явно опирался на знаменитую гравюру Дюрера «Четыре всадника Апокалипсиса» из его серии «Апокалипсис».


16-Уильям Блейк (1757–1827) Навуходоносор 1795–1805.jpg

Уильям Блейк (1757–1827). Навуходоносор. 1795–1805


Английский художник, поэт, мистик, визионер Уильям Блейк учился в Лондоне в Королевской академии искусств. На его становление оказали влияние тенденции национального романтизма. Происходивший из очень религиозной семьи, он с раннего детства воспитал в себе пиетет перед Библией, образы которой владели им на протяжении всей жизни, создал большое количество оригинальнейших по идеям, композиции и технике иллюстраций к ней. Мир Блейка населен фантастическими персонажами, представленными в исключительных в контексте искусства рубежа XVIII и XIX веков образах и явлениях. Блейку нет параллелей в его эпохе. В сущности, с буйством его фантазии могут сравниться разве что некоторые творения сюрреалистов. В галерее Тейт хранится 175 работ художника.

Понять картину Блейка можно, зная рассказ о Навуходоносоре в библейской Книге пророка Даниила (4:26–30): «По прошествии двенадцати месяцев, расхаживая по царским чертогам в Вавилоне, царь сказал: „Это ли не величественный Вавилон, который построил я в дом царства силою моего могущества и в славу моего величия!“ Еще речь сия была в устах царя, как был с неба голос: „Тебе говорят, царь Навуходоносор: царство отошло от тебя! И отлучат тебя от людей, и будет обитание твое с полевыми зверями; травою будут кормить тебя, как вола, и семь времен пройдут над тобою, доколе познаешь, что Всевышний владычествует над царством человеческим и дает его, кому хочет!“ Тотчас и исполнилось это слово над Навуходоносором, и отлучен он был от людей, ел траву, как вол, и орошалось тело его росою небесною, так что волосы у него выросли как у льва, и когти у него — как у птицы».

Через семь лет он поднял глаза к небу, восславил Всемогущего и сразу же вернулся к своему прежнему человеческому состоянию.


Искусство XIX века

18-Альберт Мур. Цветение. 1881.jpg

Альберт Мур. Цветение. 1881

19-Джон Констебль (1776–1837) Сцена на судоходной реке 1816–1817.jpg

Джон Констебль (1776–1837). Сцена на судоходной реке. 1816–1817


Эта картина английского пейзажиста Джона Констебля известна под вторым названием — «Флетфордская мельница». Мельница находилась в самом центре области, где в большом количестве выращивалась кукуруза, что, кстати, в период войны с Францией, когда Англия из-за блокады Наполеоном могла рассчитывать лишь на собственные продовольственные ресурсы, было прибыльным бизнесом. Отец художника преуспевал, и эта кормилица семьи, стоящая на берегу реки Стаур, в небольшой деревушке Ист Бергхоулт, где родился живописец, не раз появляется на его картинах. В юности Констебль много путешествовал по окрестностям, делая зарисовки и этюды. По словам самого автора, эти сценки «сделали его художником, за что он очень благодарен».

Большое бревно в нижнем левом углу картины — это, безусловно, одна из опор мельницы, которой объясняется оживление жителей на берегу. Баржа отъединяется от лошади, поскольку ей теперь предстоит отправиться в путь.

В одном из своих писем Констебль признается, что беззаботное отрочество у него ассоциируется, прежде всего, с рекой Стаур, ведь именно благодаря ей он стал мастером. В данном пейзаже художественными средствами выражена эта детская ассоциация. На картине царит редкостное спокойствие, почти аркадская безмятежность бытия, доступная всем и каждому.


20-Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) Озеро Баттермир, с видом на Кромакуотер в Камберленде. Ливень 1798.jpg

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Озеро Баттермир, с видом на Кромакуотер в Камберленде. Ливень. 1798


Джозеф Мэллорд Уильям Тернер — непревзойденный мастер романтического пейзажа, в сущности, по духу своей живописи — импрессионист. В 1871 Клод Моне и Камиль Писсарро, увидевшие его произведения в Лондоне, не могли поверить, что британский художник за несколько десятилетий до парижских импрессионистов сумел предвосхитить их стилистические поиски. Галерея Тейт обладает самой большой коллекцией работ Тернера, вместе с рисунками, эскизами и набросками — 4187.

Стимулом к написанию картины послужило стихотворение шотландского поэта Джеймса Томсона «Весна»:

Клонясь на запад, солнце предстает
Таким блистательным — и быстрое сиянье
Бьет прямо в горы — а из желтой дымки
Взлетает, устремляясь в бесконечность
Воздушная дуга, цветенье красок[1].
Английская живопись и литература XVIII века дают массу поводов для сопоставления воспеваемых в них образов. Британские философы создали новую, своеобразную концепцию «возвышенного»: оно неоднородно. В пейзажах можно выделить два его вида: первый условно назван «пугающе-возвышенное», связан с бурями и катастрофами, второй — «природное возвышенное» — обращен к более спокойным состояниям природы. Здесь Тернер изменил некоторые детали и, в сущности, переиначил поэтический образ, у Томсона он — образец первого, тогда как у живописца весьма драматичен. Автор любил изображать природу, одержимую стихией. На его подготовительном рисунке, сделанном во время путешествия на север Англии годом ранее, написано: «Черно». Тернер и впоследствии будет снабжать свои картины ремарками, цель которых — возбудить в зрителе благоговение и страх перед величием и силами природы.


21-Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) Снежная буря Ганнибал и его армия, переходящие через Альпы 1812.jpg

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Снежная буря Ганнибал и его армия, переходящие через Альпы. 1812


Картина относится к началу карьеры Тернера, она — одно из самых смелых и значительных произведений молодого живописца. Сюжет основывается на повествовании древнеримского историка Тита Ливия о сражении карфагенянина Ганнибала с местными племенами во время перехода через Альпы в Италию в 218 до н. э. Местом действия Тернер выбрал долину Аоста, которую посещал во время путешествия в 1802. Сражение, показанное с некой высокой точки, разворачивается на всем пространстве холста, оно, пораженное невероятной бурей, уходит вдаль, на горизонте виден один из легендарных слонов армии Ганнибала. Живописец — мастер изображать действия больших масштабов. Неопределенность, вызванная размытостью очертаний, создает необычайно возвышенный образ.

Первый показ картины в Королевской академии художеств в Лондоне сопровождался публикацией поэмы Тернера «Обманчивость надежды». В ней есть такие строки:

<…> вождь глядит
С надеждой на бледнеющий закат,
Где кромка италийская ветрами
Изрезана у года на краю.
Что ждет их, пропитавших кровью скалы
И оползни, за каменной пустыней?
Он мнил: Кампаньи тучные равнины.
Выл ветер: Капуи соблазнов яд![2]
«Ответ» ветра отсылает к описанию Ливием последующего падения армии Ганнибала вследствие того, что изобильная жизнь на итальянском плоскогорье подточила моральные и физические силы воинов.

Картина дает еще одну аллюзию — на Наполеона Бонапарта: за два года до создания полотна Тернер видел работу Жака-Луи Давида «Наполеон на перевале Сен-Бернар», на которой Первый консул представлен в виде современного Ганнибала. Так, произведение Тернера отсылает к вторжению Наполеона в Тирольские Альпы, оно написано в разгар войны с Францией. Вкупе со стихотворным предостережением изображенная снежная буря может восприниматься как символ и предзнаменование краха амбиций как Карфагена, так и наполеоновской Франции.


22-Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) Байский залив с Аполлоном и Сивиллой 1823.jpg

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Байский залив с Аполлоном и Сивиллой. 1823

23-Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) Байский залив с Аполлоном и Сивиллой 1823 (фрагмент).jpg

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Байский залив с Аполлоном и Сивиллой. 1823 (фрагмент)


Данную картину Тернер продемонстрировал в Королевской академии художеств в Лондоне в том же году, когда ее закончил. Между тем работа над нею, судя по всему, велась раньше, и холст стал своего рода итогом первого путешествия автора в Италию осенью 1819. Тогда он посетил Венецию, Неаполь, Флоренцию и Рим, где по протекции Кановы был избран почетным членом Академии Святого Луки.

Тернера пленили виды Италии. Об этом свидетельствует не только сама картина, но и начертанный на ней латинский девиз из оды Горация «К Каллиопе»: «Seu liquidae placuere Baiae» («иль Баий взморие влечет меня»).

Хотя согласно названию работы и утверждениям историков искусства здесь изображен именно Байский залив, совершенно очевидно, что картина представляет собой романтический идеализированный пейзаж и напоминает подобные пейзажи К. Лоррена. Известна забавная история: младший современник Тернера, художник Джордж Джонс, беседовал о картине с одним путешественником, недавно побывавшим на берегу Байского залива. Тот констатировал, что «половина сцены была просто вымышлена». Тогда возмущенный коллега начертал на раме: «Splendide mendax» (с латинского — «блестящая ложь»). Тернер повеселился и долгое время не удалял эту надпись.

На данном холсте Байский залив стал декорацией для повествования об Аполлоне и Кумской сивилле. Сюжет восходит к «Метаморфозам» Овидия. Он повествует о том, как Аполлон влюбился в сивиллу из Кум, что на севере Италии. Бог обольщал ее, обещая за объятия продлить ей жизнь на столько лет, сколько пылинок содержится в пригоршне пыли. И хотя она отказала ему, Аполлон сдержал свое слово и наделил ее долгожительством, но не дал вечной юности. Таким образом, она оказалась обреченной на столетия существования в образе дряхлой старухи. Сивилла, молодая женщина, изображена сидящей перед Аполлоном. Ее руки, сложенные чашечкой, наполнены пылью. Бог сидит перед нею на камне, одна его рука — на лире. Этот сюжет довольно поздний, впервые он появился в XVII веке.


24-Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851) Буря на море. Около 1840.jpg

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Буря на море. Около 1840


Хотя Тернер, безусловно, был городским жителем, его всегда привлекала морская стихия. С начала 1830-х он постоянно наведывался в Маргейт — городок на побережье в графстве Кент. Здесь художник сделал множество зарисовок видов моря в разные моменты: штиля, волнения, бури, в дневные часы, на закате…

В картинах автора поражают и восхищают как сама идея, так и мастерство ее воплощения. Что касается идеи, то зритель всегда «слышит» в его пейзажах, в особенности морских, некий романтический мотив, который, кажется, изливается из самых глубин и сокровенных уголков человеческой души. Такое впечатление, что тернеровский пейзаж буквально что-то говорит, внушает… Он захватывает зрителя, делает его соучастником, внимающим зову природы.

Увлечение живописца пейзажами с изображением штормовой погоды объясняется его интересом к теме возвышенного. Он снова и снова напоминает о могуществе природы, изображая море как прекрасную и одновременно устрашающую стихию. Для Тернера океан был фоном, на котором разворачивались действия, разыгрывались драмы. Особенно это ясно, когда в картину действительно привносится человеческий фактор, например, в виде кораблекрушения. Но и на данном полотне, где передана только стихия, ощущается возможность такой катастрофы.

Почти монохромной гаммой темных тонов мастер изображает плотную завесу штормовых туч. Кажется, что здесь он использует тот же метод, каким пользовался, создавая подобные рисунки на бумаге: рисует гребни штормовых волн и кончиками пальцев снимает небольшое количество краски, чтобы рельефнее передать изгибы волны.


Конец первой части

Источник: lovers-of-art.livejournal.com

Общая информация и история создания

В Лондоне расположены 2 из 4 входящих в комплекс музеев:

  • “Тейт Британия” (Tate Britain);
  • “Тейт Модерн” (Tate Modern).
Галерея тейт в лондоне
Галерея Тейт.

Музей Tate Britain впервые открыл свои двери для посетителей в 1897 г. В 1889 г. Генри Тейт, промышленник, создатель сахарного рафинада и ваты, предложил передать свою коллекцию произведений живописи XIX в. государству и предоставил финансирование для первой галереи Тейт. Неоклассическое здание музея было спроектировано Сидни Смитом.

С тех пор он был расширен шестью пристройками, последняя из которых, галерея Clore, была открыта в 1987 г. для размещения знаменитой коллекции работ художника Дж. М. У. Тернера. Первоначальное название галереи Тейт было изменено на “Тейт Британия” в 2000 г., когда в выставочных залах стали выставлять шедевры только британского искусства. Здесь представлены работы величайших художников с 1500 г. до нашего времени.

В декабре 1992 г. члены совета попечителей музея объявили о своем намерении создать в Лондоне отдельную галерею международного современного искусства, назвав ее “Тейт Модерн”. В качестве здания для новой галереи была выбрана бывшая электростанция на Бэнксайде, отремонтированная и перепланированная швейцарскими архитекторами Жаком Херцогом и Пьером де Мероном. Оборудование электростанции было удалено, а у здания восстановлена первоначальная кирпичная кладка. Турбинный зал стал впечатляющим входом и выставочной площадкой, а котельная стала использоваться под галереи.

С момента открытия музея в мае 2000 г. более 40 млн человек посетили Tate Modern. Это одна из трех самых популярных туристических достопримечательностей Великобритании, которая ежегодно приносит Лондону прибыль в размере около 100 млн фунтов.

Обзор экспозиции

В Tate Britain посетителей ждет прогулка по истории британского искусства с 1500 г. до наших дней. В выставочных залах можно познакомиться с шедеврами Уильяма Тернера, Джона Констебла, Джона Эверетта Милле, а также с современным искусством Фрэнсиса Бэкона, Люциана Фрейда, Барбары Хепворт, Дэвида Хокни, Бриджит Райли и др.

В галереях Tate Modern собраны художественные шедевры современного периода начиная с 1900 г. и только в новаторских жанрах, таких как сюрреализм, импрессионизм, абстракционизм, кубизм, поп-арт, современное искусство и модерн. В просторном Турбинном зале собраны удивительные работы таких художников, как Сезанн, Боннар, Матисс, Пикассо, Ротко, Дали, Поллок, Уорхол и Буржуа.

Некоторые картины знаменитых художников, выставленные в галерее Тейт:

  • “Благовещение” (Ecce Ancilla Domini), Д. Г. Росетти;
  • “Офелия” (Ophelia), Д. Э. Милле;
  • “Сатана” (Satan Smiting Job with Sore Boils), У. Блейк;
  • “Запертая любовь” (Love Locked Out), А. Л. Меррит;
  • “Ворота Кале” (The Gate of Calais), У. Хогарт.

Кафе и магазин

При музеях открыты магазины, которые заполнены книгами, печатными изданиями и продуктами, отражающими основную цель: распространение знаний и развитие любви к искусству. Здесь представлены произведения как знаменитых художников и дизайнеров, так и молодых иллюстраторов в начале их карьеры.

У главного входа в галерею “Тейт Британия” расположен главный магазин с широким ассортиментом продукции, включая гравюры и книги, посвященные искусству и культуре Британии, а также товары для дома, ювелирные изделия и подарки для детей. От старой галереи к новой можно доплыть на водном трамвае (мимо “Биг-Бена”). Здесь посетители комплекса могут остановиться и отдохнуть в кафе с видом на собор Святого Павла и Темзу.

В одном из самых больших магазинов, который расположен в Турбинном зале музея “Тейт Модерн”, можно найти подборку популярных художественных книг и журналов, купить подарки, открытки и плакаты. В магазине на террасе представлен широкий ассортимент репродукций картин.

Режим работы галереи

Галерея открыта для посещения в будние и праздничные дни (кроме 24-26 декабря) с субботы по четверг – с 10.00 по 18.00, а по пятницам – с 10.00 по 22.00.

Стоимость билетов

Вход в оба музея бесплатный, исключение составляют временные мероприятия и специальные выставки. Стоимость входа на такие мероприятия составляет от 15 до 30 фунтов стерлингов.

Адрес и как доехать

Tate Modern расположен по адресу: London SE1 9TG, Bankside. Большинство посетителей добираются туда пешком вдоль реки по правому берегу Темзы или через знаменитый пешеходный мост “Миллениум”, который протянут от собора Святого Павла.

Tate Britain расположен по адресу: Millbank, Лондон SW1P 4RG.

Между этими музеями каждые 40 минут курсирует специализированный картер.

Метро: 600 м до станции метро “Пимлико” (Pimlico), линия метро “Виктория”, или 850 м до станции “Воксол” (Vauxhall).

Автобус: район обслуживается большим количеством автобусных маршрутов: 2, 3, C10, 36, 77A, 88, 159, 185, 436 и 507.

Железнодорожная станция “Воксол” расположена в 850 м от музея, вокзал “Виктория” – в 1500 м.

Источник: VseMuzei.com

Тейт Модерн и Тейт Британия

Галерея Тейт в Лондоне — крупнейший комплекс художественных музеев Великобритании. В их стенах хранятся шедевры британского искусства с 1500 года по настоящее время.

К концу прошлого века коллекция музея стала настолько огромной, что места для ее хранения (не говоря уже о показе) перестало хватать. В результате коллекция была разделены на две части: на современную живопись (в понимании кураторов это XX век), она стала отдельной галереей «Тейт Модерн» и британскую «Тейт Британия».

Галерея «Тейт Британия» — это английский аналог нашей Третьяковской галереи.

Галерея тейт в лондоне

Галерея основана в 1897 году на средства сэра Генри Тейта (он изобретатель рафинада и сахарной ваты). Коллекция музея сформировалась благодаря музею Южного Кенсингтона, и частным собраниям картин. Их владельцы решили отдать в дар коллекции картин государству.

В 20-е годы XX века картины авторства английских художников были разбавлены работами французских импрессионистов и постимпрессионистов.

Галерея тейт в лондоне

Коллекция картин в галерее «Тейт Британия» строго упорядочены. Каждый отрезок времени имеет свои тематические разделы. Раз в год набор тем меняется, это создает интерес и интригу. Главные экспонаты музея — это картины прерафаэлитов (направление в английской живописи во второй половине XIX века) и воздушные полотна Тернера, которые у нас в России, к сожалению, не представлены.

«Тейт Модерн» занимает помещение бывшей электростанции, ее здание — полноценный арт объект. В ее стенах вы можете взглянуть на картины Дали, Матисса, Кандинского и Пикассо. Здесь тоже экспонаты развешаны по темам, только не по историческим, а более абстрактным: «Вещи в движении», «Поэзия и сновидения», «Существенные изменения».

Картины Галереи Тейт

Галерея тейт в лондоне John Constable, Flatford Mill (Scene on a Navigable River)

Галерея тейт в лондоне William Blake, Satan Smiting Job with Sore Boils

Галерея тейт в лондоне J. M. W. Turner, Snow Storm, Steam – Boat off a Harbour’s Mouth

Галерея тейт в лондоне Sir John Everett Millais, Ophelia

Галерея тейт в лондоне Anna Lea Merritt, Love Locked Out

Галерея тейт в лондоне James Abbott McNeill Whistler, Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge

Галерея тейт в лондоне David Bomberg, The Mud Bath

Галерея тейт в лондоне Oberon, Titania and Puck with Fairies Dancing, William Blake

Галерея тейт в лондоне Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti

Галерея тейт в лондоне The Fairy Feller’s Master-Stroke, Richard Dadd

Галерея тейт в лондоне Strayed Sheep (Our English Coasts), William Holman Hunt

Галерея тейт в лондоне The Little Country Maid, Camille Pissarro

Галерея тейт в лондоне The Death of Major Peirson, John Singleton Copley

Галерея тейт в лондоне Pylades and Orestes Brought as Victims before Iphigenia, Benjamin West

Галерея тейт в лондоне The Gate of Calais,William Hogarth

Вход в галереи Тейт в Лондоне — бесплатный, за исключением каких-то особых выставок или мероприятий, которые проводятся в его стенах.

Адрес: Bankside, London SE1 9TG, United Kingdom
Телефон: +44 20 7887 8888
Сайт: www.tate.org.uk

Виртуальный музей Тейт Британия

Источник: SnovaDoma.ru


Categories: Галерея

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.